Investigación en los Procesos Creativos por Expresión
Creatividad y emoción
Cuando se elige una investigación
en los procesos creativos por expresión, esta debe despertar en el
investigador-artista una emoción positiva, motivadora y alentadora hacia su
tema de investigación.
La psicología nos ayuda a entender
estas emociones y sobre todo que emociones motivan al investigador. Philipp
Lersch lo define bajo el subtítulo de:
Las emociones de las tendencias creadora y cognoscitiva y nos refiere:
La alegría de crear. – Que el sentimiento que corresponde a la tendencia
a la creación, la alegría de crear, se halla plenamente influido por la
temática de la transitividad puede ser testimoniado por una frase de A Carrel: «En
la alegría de crear se disuelve la conciencia de la propia persona que se
diluye en otro y en otros». (Lersch, 1974, p. 236)
Además,
de la alegría entendemos al proceso de investigación desde una posición en la que
en el arte se asumen la cognicitividad y afectividad como componentes
sustanciales de los que surge la expresión artística, toda expresión artística
está cargada de ambos componentes, que se integran intuitivamente en el proceso
creativo durante la investigación. Lersch nos aclara esta relación y su
integración y como se involucran los sentimientos noéticos:
Los sentimientos noéticos
correspondientes a la temática de las tendencias cognoscitivas son designados como
noéticos por derivación de la palabra griega νησις, (pensamiento). La
tendencia al saber busca el mundo como objeto de conocimiento tal como se
muestra a los procesos del pensamiento. En este contacto se origina un grupo de
sentimientos. A estos pertenecen, sobre
todo, el asombro y la admiración.
(Lersch, 1974,
pág. 236) .
En términos generales, en
los sentimientos noéticos aparecen visibles las raíces por las cuales incluso
el pensamiento y el conocimiento se insertan en el fondo endotímico. Esta es la
prueba de que los conocimientos de éstos constituyen valores para el hombre. El
conocimiento y el pensamiento no son meros reflejos pasivos de la realidad en
el espejo de la conciencia, algo con lo que nos enfrentamos con indiferencia,
sino que derivan más bien de una actitud viviente de investigación y de
búsqueda del hombre frente a la realidad. Por esto, en los sentimientos
noéticos, en los que la realidad es reflejada en el fondo endotímico del sujeto
como objeto de la investigación, condicionada por la tendencia al conocimiento,
son específicos del hombre, puesto que este no es absorbido y vivido por el
mundo que le envuelve, sino que procura organizarlo, por medio de conceptos y
juicios, en una clara trama dotada de orden y de sentido.
Arte e investigación
Dieter Lesague nos narra como
en el año 2003 en atención al Plan Bolonia celebrada ese año en Berlín, el
tercer ciclo conducente al doctorado en Europa, paso a ser prioridad en la
política europea de educación superior, también apareció la idea de un
doctorado en artes, comenta: Lesague “En efecto, el año 2003, y en la mayoría de
los países europeos , el doctorado en artes no existía. En los años siguientes,
las instituciones académicas de muchos países europeos decidieron establecer
dicho doctorado… (Verwoert, y otros, 2010, p. 70).
Al referirnos a doctorado, básicamente nos referimos a la investigación.
Pero las exigencias académicas exigían que la investigación estuviera
sistematizada en un texto, y la expresión artística debería estarlo. Es así que Lesague nos ilustra sobre esta
exigencia:
Últimamente, algunos de los
que defienden que un doctorado en artes no debería constar solamente de un
portafolio artístico, sino también de un suplemento textual, han intentado
salvar su tesis aduciendo que ese suplemento textual, no debería lógicamente
adoptar una forma a la fuerza académica. Como hablamos de un doctorado en
artes, deberíamos adoptar una actitud pluralista hacia el requisito de un texto
como suplemento del portafolio artístico, en tanto parte del doctorado en
artes, es imaginar fácilmente que los suplementos textuales adquieren una forma
muy artística. Mientras tenga una apariencia de texto, podría ser un texto
literario, un diario, tal vez incluso una obra teatral o una serie de poemas.
Los artistas, que quieran defender una tesis de doctorado en artes no debían de
aterrorizarse ante el requisito de escribir un texto en formato académico.
Podría ser también un texto artístico… la idea parece consistir en que la
producción artística solo se puede juzgar adecuadamente si existe alguna forma
de texto, académico o no, que lo suplemente. Por eso se nos induce a pensar que
necesitamos alguna forma de texto con el fin de descifrar la obra artística que
propone el artista deseoso de ser doctor en artes, con el fin de saber si esta
obra merece de hecho el título de doctorado en artes. (Verwoert, y otros, 2010,
ps. 76 - 77)
Dieter Lesague y su definición final sobre la investigación artística.
Los artistas y las
instituciones artísticas que dependen sobre todo de financiación pública
deberían ser conscientes de que las autoridades públicas están sujetas a una
enorme presión para legitimar porque determinadas instituciones o individuos
son beneficiarios de la financiación pública. En resumidas cuentas, el discurso
sobre la investigación artística parece una forma adecuada para explicar por
qué los artistas necesitan tiempo, y por tanto dinero, para poder crear. La
creación artística no solo tiene ver con los materiales que un necesite comprar
o con los espacios que necesite alquilar, sino también tiene que ver con el
tiempo necesario para dedicarse a la reflexión, al estudio, al pensamiento. A
decir verdad, la noción misma de investigación artística es bastante subversiva
para un terreno que antes pagaba precios elevados por las obras de arte, con
completa independencia de la cantidad de tiempo y de trabajo que se invierta en
ella. Para mí, la noción de la investigación artística está también relacionada
con el reconocimiento del artista como trabajador, como alguien que trabaja un
determinado número de horas, de días, y que podría aspirar a recibir algún
dinero por todas las cosas que hace. A mi juicio el concepto de investigación
artística no tiene nada que ver con un intento por lograr que las artes se
adapten a la manera de proceder de las ciencias, que sean más metodológicas o
más discursivas. Se trata antes bien del reconocimiento, del arte como forma de
trabajo cognitivo, de lucha salarial de los artistas que ya no aceptan trabajar
para una exposición, recibir un dinero por la producción de sus piezas y
prácticamente nunca un pago por todo el trabajo que han llevado a cabo para
preparar la exposición. En todo momento se dice a los artistas que inviertan en
su trabajo, que especulen sobre el valor futuro de su obra. Se supone que los
artistas han de aprender a convertirse en sus propios accionistas. El discurso
que presenta a los artistas como investigadores debería ser también un discurso
de capacitación, que valore al artista como trabajador y que contribuya al
reconocimiento de la necesidad de pagar el tiempo y el trabajo que el artista
dedica a su obra. (Verwoert, y otros, 2010, ps. 84 - 85)
La Reflexión ¿Método o proceso?
El método lo conocemos como un
conjunto de pasos que tienen un inicio y un fin, muchos autores definen este
concepto, al punto que es difícil aludir este concepto a una sola persona o
investigador. En la ciencia es necesario el método para la recolección de la
muestra, el análisis de datos y la interpretación de los resultados de la
investigación, también una metodología estricta para investigar.
En la investigación artística
no existe claramente una forma de sistematizar la información a partir del uso
de metodologías, estas pueden entrecruzarse durante el proceso creativo y
variar o cambiar la investigación. Al final el resultado es el conocimiento
generado por el arte y el artista. En pocas palabras lo que influye en un
aparente desorden durante el proceso creativo es la reflexión constante durante
la creación, esta reflexión involucra aspectos como conocimientos previos,
idealización de la realidad, emociones emergentes, experiencias propias del
artista, aparición de indicios que nos llevan a querer resolver algún problema,
etcétera.
A manera de ejemplo tenemos a
los artistas renacentistas, quienes dejaron investigaciones a medias, o al
final del proceso creativo, retrocedían en sus conceptos e ideas y borraban
parte de sus cuadros superponiendo nuevas figuras que le diesen un significado
diferente a la obra de arte. En avance y retroceso para un cambio y
experimentación en el desarrollo de su investigación. Esto nos muestra que la
investigación artística no se basa en la búsqueda de resultados, ya que el
proceso creativo es eso mismo, un proceso por el cual pasa el artista durante
la creación, y si los resultados no son los esperados, los cambia, los
transforma o los disimula.
Philipp Lersch explica que la
reflexión en si es una categorización de la conciencia, la misma que aparece a
temprana edad seguida después del periodo de terquedad, y nos define lo
siguiente:
Hay pues una diferencia
notable entre conciencia y conciencia reflexiva. La primera es una función del
yo que debemos considerar como identificadora, mientras que la segunda es una “toma
de posición” de este mismo yo. Al yo le corresponden, pues, dos funciones: la
fijación de las vivencias y la toma de posición frente a ellas. La una constituye
la conciencia, la otra la conciencia reflexiva o —como también podríamos decir—
la vivencia reflejada…
…Compete, pues ante todo, a la
conciencia reflexiva el dirigir nuestra conducta. como en la conciencia entra en funciones el
pensamiento, se le agrega en la conciencia reflexiva la voluntad. (Lersch,
1974, ps. 544 -545).
La reflexión y los cambios
emocionales en el artista, van guiando su desarrollo creativo, esto no es una
inestabilidad psicológica, el cambio es porque existe una elevada creatividad a
veces incomprensible para el análisis. Y es el proceso el que determina los
pasos a seguir y no el método como se piensa que debería ser. En un ejemplo
claro, un determinado método para aprender a dibujar, me enseña en que orden
debo avanzar para conseguir construir la figura en el espacio estético, sin
embargo en lo sucesivo la intuición me lleva por otros caminos y resuelvo el
problema de una manera diferente a la aprendida, no empiezo por la derecha sino
de abajo hacia arriba. Empiezo pintando con la derecha y termino haciéndolo con
las dos manos.
En mi experiencia, cuando a
los alumnos les digo que deben realizar con el profesor de taller las
creaciones estéticas, y que el es el que decide y aprueba el proyecto de
investigación, entonces elevan sus propuestas abocetadas y se inscribe este
proyecto. También están ansiosos y estresados sobre que pasa si se hacen
cambios, ¿se pierde el proyecto? ¿se tiene que cambiar?, entonces les aclaro,
cuando una prepara una investigación científica en el proyecto se incluyen los
métodos e instrumentos y se desarrolla la investigación como fue proyectada.
Pero en este caso el proyecto es una propuesta que no debe ser una camisa de
fuerza que delimite la creatividad.
Durante el proceso de
investigación en el taller, se dan cambios y es el mismo profesor quien lleva
el control de lo que sucede en cada alumno durante su investigación, guiando al
alumno en este proceso, como asesor metodológico ellos al finalizar recién cada
obra realizan el análisis semiótico y estético, no puede ser antes, no se
analizan los bocetos, se espera al final para poder construir el discurso a
partir de estos análisis, y si el resultado fue una espiral que terminó en lo
que no se proyectó y ni se imaginó, no hay problema, es un proyecto artístico,
y por eso se dificulta la proyección del cronograma y presupuesto, que tienen
una relatividad tan alta que puede cumplirse tanto como alejarse de todo lo
planeado, lo que se pensó hacer en un año, el alumno lo terminó en casi dos, y
lo que pensó que costaría tanto, resultó el doble.
El intentar encuadrar una
investigación artística es intentar encuadrar la creatividad. Si encuadramos la
creatividad entonces no hemos investigado desde el arte, sólo se conseguirá
buscar un resultado como en la ciencia, y no desarrollar un proceso que puede
inicialmente ser lineal y terminar en un espiral que regrese al punto de inicio,
para volver a empezar y solo la creatividad determinará cuando llegó a su final.
Cuando el Papa le preguntaba constantemente a Miguel Ángel Buonarroti ¿Miguel
Ángel, cuando vas a terminar? El siempre respondió, ¡Cuándo termine!...
En un rasgo que identifica a
la ciencia que se enseña en el ámbito académico, mientras que en el arte no se
necesita obligatoriamente una metodología previa para declarar la
investigación, y esta asume una particularidad inherente y diferente en cada
proceso de creación.
La investigación no excluye
los métodos, pero tampoco se reduce a ellos, se contamina y es un proceso
inédito para cada espacio de creación. Aquí se evidencia que el control de los
resultados está en manos de quien dirige la investigación, en parte es cuestión
de independencia dentro del campo del saber y, por tanto, de dominio. Cuando
decimos resultados, estamos utilizando una expresión que como importación del
ámbito científico, en muchas ocasiones
nos es incómoda, pues el objetivo no es un resultado, sino un proceso.
El proceso de creación artística es fuente de producción de conocimientos. Los
artistas defienden con energía que hacen una investigación. Todo lo que se
describe acerca de esta en cuanto a búsqueda teórica y otras acciones como
pueden ser entrenamientos, técnicas, está tan claro que no encuentran la
necesidad de explicarlo. Simplemente está inmerso en el cotidiano proceso de
crear. (Editorial Síntesis, S.A., 2016,
p. 33)
Trabajo Académico
Alumno destacado de la ESABAC
Excelentes textos. Muy clarificadores
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